Die 10 besten Rockbands aller Zeiten 2024

Die 10 besten Rockbands aller Zeiten

Wenn man ein Projekt als kühnen, rutschigen und mit diagnostischen Gefahren behafteten Projekt als “die 10 besten Rockbands je,”Man kann sich entweder im Vorgriff auf den Monsun der Meinungsverschiedenheit kauern, um sicher zu kommen und das Paket mit jeder Art von Wiesel-Zweideutigkeit zu beladen, oder man kann glückselig in der universellen Gerechtigkeit des eigenen Urteils voranschreiten. Als Amerikaner wähle ich Letzteres.

1. Die Beatles

Die Beatles sind zweifelsohne die beste und wichtigste Band der Rockgeschichte und auch die spannendste Geschichte. Fast wundersamerweise verkörperten sie die Spitze der Form künstlerisch, kommerziell, kulturell und spirituell genau zur richtigen Zeit, den turbulenten 60ern, als die Musik die Macht hatte, die Welt buchstäblich zu verändern (oder zumindest den Eindruck zu vermitteln, das kann das gleiche sein). Die Beatles sind der Archetypus: Es gibt keinen Begriff in der Sprache, der “Beatlemania” entspricht.

Drei Jungs aus Liverpool – John Lennon, Paul McCartney und George Harrison – trafen sich 1960 in einer Zeit kultureller Großzügigkeit (mit den kleinen Mitspielern Stu Sutcliffe und Pete Best), absorbierten und rekapitulierten amerikanischen Rock ‘n’ Roll und britische Popgeschichte Dieser Punkt, der zu einer rasiermesserscharfen Einheit verhärtet wurde, die fünf amphetamingetriebene Sets eine Nacht in der harten Hafenstadt Hamburg spielte, kehrte nach Liverpool zurück, fand ihren idealen Manager in Brian Epstein und den idealen Produzenten in George Martin, fügte das letzte Stück hinzu das Puzzle, als Ringo Starr Best am Schlagzeug ersetzte und ihre erste Single in Großbritannien veröffentlichte, “Love Me Do / PS Ich liebe dich “, alle im Oktober 1962.

Ihre zweite Single “Please Please Me”, gefolgt von den britischen Chart-Topern “From Me to You”, “Sie liebt Sie”, “Ich möchte Ihre Hand halten”, “Kann mich nicht kaufen” (alle Lennon / McCartney Originals), und das erfreuliche Image, der Witz und der Charme der Gruppe festigten 1963 den deliranten Griff der Fab Four auf ihr Heimatland.

Aber als die Gruppe im Februar 1964 in die USA kam, wurde das volle Ausmaß der Beatlemania offenbar. Ihre pandemonium-induzierende Fünf-Song-Performance in der Ed Sullivan Show am 9. Februar ist eine der wichtigsten Massenmedien Veranstaltungen der 20th Jahrhundert. Ich war zu der Zeit fünf – meine Eltern erzählen mir, dass ich es mit ihnen gesehen habe, aber ich erinnere mich ehrlich gesagt nicht daran. Ich erinnere mich aber, dass die Mädchen von nebenan, vier und sechs Jahre älter als ich, diese Erscheinung umdrehten und mich bald in ihren schwindelerregenden Wahnsinn schleppten. Ich liebte “Ich will deine Hand halten”, die erste Nummer 1 der Beatles in den USA (sie hatten 19 mehr, immer noch die Platte), mehr als jedes andere Lied, das ich jemals gehört oder fast sicher jemals gehört habe, mit eine verzehrende Intensität, die ich nur noch als Erinnerung anfassen kann.

Die Beatles erzeugten eine Intensität der Freude, die Dutzenden von Millionen Menschen ins Gesicht schlug mit dem Bewusstsein, dass Glück und Überschwang nicht nur möglich, sondern in ihrer Gegenwart unvermeidlich waren. Sie erzeugten eine Energie, die millionenfach verstärkt wurde und in einer ohrenbetäubenden Flutwelle aus dankbarer Hysterie zu ihnen zurückkehrte.

Ein Teil dieser ohrenbetäubenden Hysterie war, dass die Band mit ihren Konzerten frustriert war und nach einer Aufführung in San Francisco am 29. August 1966 aufhörte, live zu spielen. Doch diese Frustration trug Früchte, da die vier Musiker fast unberechenbar von Martin unterstützt wurden. Sie wandten ihre kreativen Energien dem Aufnahmestudio zu und produzierten immer ausgefeiltere und versiertere Alben “Rubber Soul” (1965, “Drive My Car”, “Norwegian Wood”, “Du wirst mich nicht sehen”, “Nowhere Man”, “Michelle “),” Revolver “(1966, Harrisons” Taxman “,” Eleanor Rigby “,” Hier, dort und überall “,” Gelbes U-Boot “,” Guten Tag Sonnenschein “,” Und dein Vogel kann singen “), die majestätischen und epochaler “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Clubband “(1967, Titelsong,” Mit ein bisschen Hilfe von meinen Freunden “,” Lucy In the Sky mit Diamanten “,” Wenn ich vierundsechzig bin “,” Ein Tag im Leben “).

Obwohl die Zentrifugalkraft ihren Tribut forderte, schafften sie es, drei weitere Album-Meisterwerke zu produzieren, das Doppelalbum “The Beatles” (1968, alias “The White Album”, mit “Zurück in der UdSSR”, “Dear Prudence”, ” Ob-La-Di Ob-La-Da, “Harrisons” während meine Gitarre sanft weint, “” Amsel “,” Geburtstag “,” Helter Skelter “,” Let It Be “(Anfang 1969 aufgenommen, aber erst 1970 veröffentlicht) mit dem Titeltrack “Two Of Us”, “Across the Universe”, “Ich habe ein Gefühl”, “The Long and Winding Road” und “Get Back”) und der passende Höhepunkt “Abbey Road” ( 1969, Harrisons “Here Comes the Sun” und “Something”, Ringos “Octopus’s Garden”, “Come Together”, “Maxwells Silver Hammer”, “Ich will dich”, “Sie kam durch das Badezimmerfenster”).

Sie gaben ein unglaubliches Versprechen ab, und anstatt sich von diesem Versprechen zurückzuziehen, lieferten sie acht Jahre lang und lieferten und lieferten sie, bis sie schließlich die volle Tragweite des Versprechens trafen: Sie starrten in die Kiefer eines unersättlichen, gefräßigen Biestes, das nicht weniger tierisch war weil es lächelte und winkte und ihnen Geld gab. Die Beatles erlitten schließlich eine kollektive Unfähigkeit, so zu tun, als ob das Tier kein Tier wäre, und 1970 trennten sie sich und wurden wieder Menschen.

Beatlemania redux

Ein kleiner, aber bedeutender Teil der Magie der Beatles kam 1986 mit der Veröffentlichung des klassischen John Hughes Teenie-Streifens “Ferris Buellers Day Off”, in dem Matthew Brodericks Titelfigur den frühen Beatles-Klassiker “Twist and Shout” lippensynchron ein Lied, das sie nicht geschrieben haben) von der Spitze eines Schwimmers in einer im Stadtzentrum gelegenen Chicago-Parade.

John Lennon sang “Twist and Shout”, als wären die Worte frohes, ätzendes Gift, dass seine einzige Überlebenschance war, sie mit der ganzen Heftigkeit, die sein rhythmusbesessener Körper aufbringen konnte, zu vertreiben, und Ferris auch in der Szene. Pauls und Georges Reaktionen entsprachen Johns Eifer am Ende jeder Strophe mit ihren deliranten “Ooohs”. Sie genossen sich so sehr, dass dieses Lied in diesem Moment das Wichtigste in ihrem Leben zu sein schien. Die Beatles kannten die großartigen Aufgaben des Vergnügens.

Ferris Lippen lustvoll, die Fräulein auf dem Schwimmer schaukeln und schütteln und prallen wie Elektronen von Ferris ab, die Tausende in der Menge singen aus den Gruben ihrer Becken. Chicago-Marmeladen als eine, die Beatles ‘erstaunliche reale Heldentat eines vereinigenden Massenwahnsinns nachstellend, das das Leben der Leute für eine Zeit änderte.

Als ich den Film 86 im Theater sah, standen die Leute tatsächlich auf und tanzten in den Gängen. Wie konnten sie nicht? Das “Twist and Shout” -Segment war der aufregendste und fröhlichste musikalische Moment in einem Film seit der Beatles eigenen “A Hard Day’s Night” (1964) und war der perfekte Höhepunkt zu Ferris Buellers Film-Exploits.

Das Publikum war für die Beatlemania so wehmütig, dass “Twist and Shout” in diesem Jahr für 15 Wochen in die Charts zurückkehrte, eine kurze, aber süße Erinnerung an die wahre Sache.

2. Die Rolling Stones

Als die Beatles 1970 aufhörten zu existieren, fiel der Titel “Greatest Rock’n’Roll Band der Welt” den Rolling Stones, die zu dieser Zeit in der Mitte eines solch wundersamen kreativen Höhepunkts standen, dass sie herausgefordert hätten die Fab Four sowieso für den Titel. Diesen Titel haben die einstigen “Anti-Beatles” seither nicht mehr aufgegeben. Nicht nur, dass die Stones seit mehr als 30 Jahren die größte Rockband der Welt sind, sie sind seit mehr als 40 Jahren eine funktionierende Rock’n’Roll-Einheit, die längste in der Geschichte.

Boyhood Freunde Mick Jagger und Keith Richards, zusammen mit Gitarrist Brian Jones und Pianist Ian Stewart, bildeten die erste Version der Rollin ‘Stones im Jahr 1962, und mit der Crack-Rhythmus-Sektion von Charlie Watts am Schlagzeug und Bill Wyman am Bass bald an Bord, In einer achtmonatigen Residency im Londoner Crawdaddy Club wurde er kurz darauf in die Mangel genommen. Ein junger und ehrgeiziger Andrew Loog Oldham sah sie dort: 

“Ich sah sie am 23. April 1963 und dann wusste ich, wofür ich trainiert hatte”, sagte er in einem Telefoninterview von seinem Haus in Kolumbien. “Die Hauptsache, die sie hatten, war Leidenschaft, die ihnen bis heute gedient hat”, fuhr Oldham fort. Oldhams erster Auftritt als Manager bestand darin, den trotteligen Stewart vom Live-Auftritt der Band abzuziehen, weil er nicht mit seinem Image eines schlanken, gemeinen und sexy Stones übereinstimmte (Stewart war der Road Manager der Band und nahm mit ihnen bis zu seinem Tod 1985 auf).

Zu der Zeit waren die Rollin ‘Stones (benannt nach dem Muddy Waters Song, Oldham fügte das “g” hinzu) waren eine zerlumpte R & B Cover Band, aber ihr Lauf im Crawdaddy hatte viel Aufmerksamkeit erregt, und mit den Beatles auf dem Weg nach oben niemanden wollte das nächste große Ding verpassen. Oldham bekam sie schnell bei Decca Records unter Vertrag, was immer noch schmerzte, nachdem er die Beatles abgelehnt hatte.

Im Juni 1963 ging die erste Single der Stones, ein Cover von Chuck Berrys “Come On”, auf Platz 21 in Großbritannien. Das Follow-up im November war ein Cover der gefürchteten Beatles “Ich möchte dein Mann sein”, die nach UK Nr. 12 stieg. Bis zum Februar 1964, erreichten sie die UK Top 10 mit Buddy Holly “Not Fade Away, “Die auch die Top 50 in den USA geknackt hat – die bösen Buben waren auf dem Weg.

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Oldham trennte sich mit der Band inmitten des Wahnsinns und der Medienraserei von Drogenbüsten im Jahr 1967, aber er und die Band produzierten in den zwei Jahren zwischen der sich im Mai herauskristallisierenden “Satisfaction” – die von vielen als großartigster Rocksong aller Zeiten angesehen wird – erstaunliche Musik 1965 und die Hit-gefüllte “Flowers” Compilation, im Juli ’67 veröffentlicht. Inbegriffen war der unglaublich selbstbewusste Narzissmus von “Get Off Of My Cloud”, die Kammermusik-Vornehmheit und Verletzlichkeit von “As Tears Go By”, die verwirrte urbane Modernität von “19th Nervenzusammenbruch”; und das erste klassische Album der Stones, “Aftermath”, mit dem gleichzeitig spöttischen und einfühlsamen Drogenlied “Mother’s Little Helper”, tief groovig und frauenfeindlich “Under My Thumb” und “Out Of Time”, lieblich “Lady Jane” und exotisch , brummt “Paint It Black”.

Dann kam der klassische Stones-Klassiker zwischen Ende der 60er und Anfang der 70er Jahre zwischen “Beggar’s Banquet” und “Exile On Main Street”, möglicherweise der produktivste Run der Rockgeschichte, als die Stones eine unvergleichliche Alchemie des Rock ‘n’ Roll drehten , Blues und Country in etwas dunkles, gefährliches und ausdauernd tief.

Die 1967er Büsten schienen Jagger und Richards auf eine andere kreative Ebene zu treiben, aber Brian Jones erschien geschlagen und sank schnell. Er war abwesend von der teuflischen, Riff-rockenden Single “Jumping Jack Flash”. Er arbeitete kaum an 1968er außergewöhnlichem, bluesigem “Beggar’s Banquet” (verführerisch, perkussiv und stechend “Sympathy For the Devil”, gitarrenhämmernden “Street Fighting Man”, streichelnde und sündige “Stray Cat Blues”), aus der Gruppe von Juni 69 und tot am Boden seines Schwimmbeckens weniger als einen Monat später.

Der junge Mick Taylor schloss sich als Jones ‘Nachfolger an, und seine kräftigen bluesigen Leads waren die perfekte Folie für Richards offene Rhythmusarbeit, und der Sound und die Bilder wurden immer düsterer und härter bei “Let it Bleed” (die Sex- und Todesapokalypse “Gimme Shelter, “Robert Johnsons angsterfüllter Blues” Love In Vain “, der mysteriöse” Monkey Man “, die drogensüchtige Kameradschaft des Titelsongs, der kraftvolle und mörderische” Midnight Rambler “und die schräge, erhebende Coda” You Can not Always Get What You Wollen”).

Der Tanz der Band mit dem Teufel brachte bittere Früchte, als sie am 6. Dezember 1969 (nur drei Monate nach Woodstock) ein Gratiskonzert am Altamont Speedway außerhalb von San Francisco gaben, wo ein Fan von Hell’s Angels vor der Bühne erstochen wurde ( all die schlechten juju wurde für die Nachwelt in dem Film “Gimme Shelter” gefangen genommen.

“Get Yer Ya-Yas Out” (1970), eines der befriedigendsten Live-Rock-Alben aller Zeiten, konzentrierte sich auf ihre ’68-’69 Hits, einschließlich eines erweiterten, endgültigen “Midnight Rambler”, und zeigte, wie integral Mick Taylor geworden war zu dem tosenden Live-Sound der Stones.

Die erste Veröffentlichung der Band auf ihrer eigenen Rolling Stones Records war die drogensüchtig, wackelnde, brillante “Sticky Fingers” (1971), mit dem berüchtigten Arbeits-Reißverschluss von Andy Warhol. Taylor glänzte wieder und das Jagger / Richards Songwriting ging weiter auf höchstem Niveau: stolz auf “Brown Sugar”, klagende “Wild Horses”, jazzig grooving “Kannst du mich nicht klopfen hören”, Horn-rocking “Bitch”, “chilling” Schwester Morphine “Und countrified” Tote Blumen. “

Die Stones sind seit jeher eine andere Band: Mick Taylor ist 1974 gegangen, ersetzt durch den tapferen Ronnie Wood. Sie haben ein paar großartige Alben veröffentlicht: “Some Girls” (1978), ihre raue Antwort auf die Herausforderungen von Disco und Punk (“Miss You”, “Some Girls”, “Respectable”, “Beast of Burden”, “Shattered” ), und “Tattoo You” (1981, ihr Top-Charting-Album – neun Wochen auf Platz 1) mit den Ausstellern “Start Me Up”, “Hang Fire” und “Waiting On a Friend”. Sie haben auch viel veröffentlicht von einfach guten Alben: Die 70er waren besser als die 80er, die besser waren als die 90er.

Aber sie haben sich weiter entwickelt, haben Pausen eingelegt, sich aber immer mehr darauf konzentriert, die Musik live zu den Fans zu bringen, und wurden besonders durch das “Steel Wheels” Album und die Welttournee 1989 wieder belebt. Ich fing diese Tour in Los Angeles und die Stones kamen mit eifriger Zuversicht. Alle Elemente klickten: Die Gitarren schnitten und schlitzten, die Rhythmus-Sektion stimmte ein und ritt raus, die Songs waren eine perfekte Mischung aus Alt und Neu, die Band war begeistert.

Jagger zeigte keinen Tropfen Cool-Star-Haltung: Er arbeitete, redete, sang mit Energie und Liebe zum Detail. Er war offensichtlich froh, wieder gemocht zu werden. Die kollektive freudige Erleichterung des Stadions brachte Jagger zu kindlicher Verwundbarkeit:

“Magst du die neuen Lieder?” Er hätte beinahe vor der Menge geklagt.

“Wir lieben sie, Mick!”

“Wir lieben dich!”

“Yeah!”

Vielleicht erinnerte Mick sich an sein Zitat aus den 70er Jahren: “Manchmal bevorzuge ich es, auf der Bühne zu stehen, manchmal bevorzuge ich einen Orgasmus.” In dieser Nacht bin ich mir ziemlich sicher, dass die Bühne gewonnen hat.

In den 1990er Jahren gewann die Band unglaubliche 750 Millionen Dollar von drei Tourneen. Als ich sie Anfang letzten Jahres live vom Madison Square Garden auf HBO sah, bestätigten meine Augen, dass diese schroffen, hageren Typen ungefähr 60 Jahre alt sind, aber als die Kameras 30 Jahre zurückzogen, schmolzen sie weg und die Magie war real und nahm an Intensität zu Die Nacht ging weiter.

Was für eine großartige Show! Die Stones sind heute eine bessere Band als in den 70er Jahren, als ihr Leben, Körper und Geist ein Sumpf von Sex, Drogen und Alkohol waren. Das Alter hat sie konzentriert, aber nur wenig ihrer wahnsinnigen Energie genommen, und Keith Richards ist immer noch der größte Rhythmusgitarrist, der je gelebt hat.

Es lebe der Rock ‘n’ Roll – lang lebe die Rolling Stones!

3. U2

Irlands U2 ist die wichtigste und einflussreichste Band der Post-Punk-Ära und vereint sich mit rockigem Gitarrenrock, punkiger Unabhängigkeit, keltischer Spiritualität, innovativen Produktionstechniken und elektronischem Experimentalismus – alles zusammengehalten von der transzendenten Vision und Ausstrahlung des Sängers / Lyrikers Bono.

U2 – Bono (Paul Hewson), Gitarrist Edge (Dave Evans), Bassist Adam Clayton und Schlagzeuger Larry Mullen – formierten sich 1976 in Dublin als Beatles and Stones Coverband, während die Spieler noch in der High School waren. 1980 wurden sie bei Island Records unter Vertrag genommen und veröffentlichten ihr spektakuläres erstes Album “Boy”, produziert von Steve Lillywhite.

In Vorbereitung auf 1984 “The Unforgettable Fire” hatte Produzent Brian Eno eine lange Unterhaltung mit Bono, wie er später dem Q Magazine erzählte. “Ich sagte, ‘Schau, wenn ich mit dir zusammenarbeite, werde ich viele Dinge ändern wollen, die du tust, weil ich mich nicht für Platten als Dokument einer Rockband interessiere, die auf der Bühne spielt, ich interessiere mich mehr für das Malen Bilder. Ich möchte eine Landschaft schaffen, in der diese Musik stattfindet. “Und Bono sagte:” Genau, das wollen wir auch. “

Die Ergebnisse dieses schicksalhaften Richtungswechsels waren Eno-Produktionen von U2-Standards “The Unforgettable Fire” (darunter “Bad”, “Stolz im Namen der Liebe”); Grammys 1987 Album of the Year, der persönliche und dennoch universelle “The Joshua Tree”, der die Band zu Superstars machte (mit “Wo die Straßen keinen Namen haben”, “Ich habe immer noch nicht gefunden, wonach ich suche”, “Mit Oder ohne dich “und” One Tree Hill “); 1991 “Achtung Baby”, eine brillante und emotional dunkle Bewegung in Richtung Electronica (“Noch besser als das Wahre”, “Eins”, “Bis zum Ende der Welt”, “Wer wird deine wilden Pferde reiten” und “Mysteriöse Wege”) ); und “Zooropa”, noch tiefer in Euro-Dance-Musik und Elektronik (’93, mit dem Titeltrack, “Numb”, “Lemon”, “Stay”). Wow, was für eine Reise.

U2 war die führende Rockband der 80er Jahre, weil ihre Mitglieder, wie vielleicht nur Bruce Springsteen in den USA, immer noch daran glaubten, dass Rock’n’Roll die Welt retten könnte, und sie hatten das Talent, diese Vorstellung nicht hoffnungslos naiv zu machen.

Diese Ernsthaftigkeit und die Bereitschaft, die schwersten Verantwortungen zu übernehmen, führten zu steigenden Erfolgen und steigenden psychischen und künstlerischen Anforderungen, die schließlich dazu führten, dass die Band in den 90er Jahren Ironie als grundlegendes Ausdrucksmittel annahm.

Alle Bands wollen cool sein, und in den 80er Jahren machte U2 fast allein Ernst, aber es war harte, unermüdliche Arbeit. Nach dem düsteren, klobigen Gitarren- und Idealismus der 80er Jahre, sahen die 90er die durchlässige Kälte von Elektronik und Ironie, die buchstäblich und metaphorisch cool war, aber letztlich nicht, worum es bei der Band geht.

“All That You Can not Behind” (’00) kehrte zurück, was die Band ist und ist die klangliche und spirituelle Fortsetzung des “The Joshua Tree”, dem idealistischsten, spirituellsten und melodischsten Album der Band.

Die Überbleibsel der Bandausflüge in die Elektronik gewannen das Album (besonders das impressionistische “New York”), aber die Edge-Gitarre kehrte in die Mitte zurück, wo ihr einzigartiger, schlagender Stil gehört, obwohl sie nie die Lieder überstrahlt, von denen jeder mit gesegnet ist eine unvergessliche Melodie.

Nach der ekstatischen Veröffentlichung des Eröffnungstracks “Beautiful Day”, gibt das zweite Lied “Stuck In a Moment You Can not Get Out” eine scheinbar bescheidene, aber tiefgründige, ernsthafte und idealistische Vorstellung:

“Ich versuche nur eine anständige Melodie zu finden

Ein Lied, das ich in meiner eigenen Firma singen kann “

Sie haben es gefunden und dann einige. U2 ist jetzt eine reife, selbstbewusste, immer noch erstaunliche Band, die weiß, dass sie nicht alle Antworten hat, aber keine Angst hat, die richtigen Fragen zu stellen.

4. Die dankbaren Toten

Auf der Straße heute / Ich sah einen Deadhead-Aufkleber auf einem Cadillac / Eine kleine Stimme in meinem Kopf / Sagte: “Schau nicht zurück, du kannst nie zurückblicken.” Don Henley, “Jungen des Sommers”

Als Henley 1984 “The Boys of Summer” schrieb, sah er den Aufkleber auf luxuriösem Detroit-Stahl als einen Widerspruch der Werte: eine symbolische Materie / Antimaterie-Kollision, die die Bedeutung beider zerstörte. Aber Henley wusste nicht, dass sein Symbol für eine tote Vergangenheit in Wirklichkeit ein sehr machtvolles Symbol für Gegenwart und Zukunft war.

Der Vietnamkrieg war der perfekte Polarisator zwischen Jugend- und Erwachsenenkultur: Er hatte kein klares Ziel, er war weit weg, er kostete viele Leben und er war unfreiwillig – das Alte traf die Entscheidungen, die Jungen starben. Nachdem Mitte der siebziger Jahre der Krieg gnadenlos umgebracht worden war, wurde der Nation klar, dass sie die innere Verwirrung mehr hasste als den äußeren Feind. Blut ist dicker als Ideologie.

Die Toten wurden das Symbol dieser Vermischung von Ideologien bis Jerry Garcias Tod im Jahr 1995: eine gut geölte Geldmaschine (50 Millionen Dollar pro Jahr an Konzerteinnahmen), die Frieden, Liebe und Verständnis an eine Legion innerlich geteilter Bewunderer verkaufte. The Dead haben jede Show ausverkauft, weil eine Dead Show ein sozial akzeptabler Ort war, um vorübergehend eine Pause vom Rattenrennen zu machen und die 60er Hippie-Werte auszuprobieren, ohne sie leben zu müssen. Menschen, die keine anderen Drogen konsumierten, gönnten und tanzten wie die Feen den Toten und ihren leichten, rhythmischen, angenehmen, manchmal inspirierten, ausgedehnten musikalischen Reisen.

Auf dieser musikalischen Front ist Rhinos “Very Best of the Grateful Dead” eine ausgezeichnete Darstellung der vielseitigen Mischung aus Country, Folk, Psychedelic Rock, R & B, Jazz und afro-karibischen Rhythmen auf Klassikern wie “Friend of the Devil”, ” Sugar Magnolia, “Ripple”, “Truckin”, “Onkel Johns Band”, “Casey Jones”, “Franklins Tower” und ihre Single “Touch of Grey”.

“Grateful Dead” (1971) ist mein liebstes Live-Set der Band – es rollt zusammen mit “Bertha”, “Mama Tried”, “Spielen in der Band”, “Johnny B. Goode”, “Nicht verblassen” und ” Gehen Sie die Straße entlang und fühlen Sie sich schlecht, “zeigt große Energie und Vielseitigkeit.

Der Erfolg der Dead inspirierte die gesamte Jam-Band-Bewegung, die bis heute ihre musikalische und kulturelle Linie fortführt.

5. Velvet Underground

Brian Eno hat bekanntlich gesagt, dass nicht viele Leute die Alben von Velvet gekauft haben, als sie ursprünglich veröffentlicht wurden, aber alle, die eine Band gegründet haben. Nachdem Velvet Underground den Zwillingsfeinden der Gleichgültigkeit und der offenen Feindseligkeit während seiner Lebenszeit tapfer gegenübertrat, wurde sie allmählich zu einer der besten und wichtigsten Bands der Rockgeschichte.

The Velvet Underground wurde 1964 gegründet, als sich der Sänger / Gitarrist / Songwriter Lou Reed und der walisische Multiinstrumentalist John Cale trafen und beschlossen, eine Rockband zu gründen (schließlich mit Sterling Morrison am Bass und Gitarre und Maureen “Mo” Tucker am Schlagzeug) ihr gemeinsames Interesse an R & B, der Free-Form-Jazz von Albert Ayler und Ornette Coleman und der avantgardistische Minimalismus von John Cage und La Monte Young.

Die Band wollte nicht nur unterhalten, sondern auch herausfordern, um zu beweisen, dass Rock’n’Roll wieder gefährlich sein könnte. Sie fühlten sich Andy Warhol zugewandt – der die österreichische Schauspielerin / Model / Chanteuse Nico in die Herde brachte – und wurden zu Warhols Multimedia-Organisation, der Factory und der bohemischen Village-Kunstszene.

Live, die Velvets waren eine bizarre Mischung aus kraftvollem R & B, hübschen Popsongs, ausgedehnten experimentellen Noise Jams und der Performance-Kunst von Warhols Exploding Plastic Inevitable. Die ursprüngliche Band dauerte nur zwei Alben, “The Velvet Underground und Nico” und “White Light, White Heat” (beide 1967), von denen die erste zu den größten aller Rock-Alben zählt.

“Waiting for the Man” folgt einem luftigen Rock-Groove und folgt einem Reed-Charakter auf der Suche nach Drogen. Reed ist fast schwindlig mit Selbstachtung, weil sein Drogenbedürfnis seinen sozialen Status unter den der Ghettobewohner drückt, und diese aufsässige Selbstachtung definiert den Status des Velvet als die erste postmoderne Band und den Stammvater der gesamten Punk / New Wave Bewegung.

“Heroin” nimmt das äußere Abenteuer, Drogen in den inneren Bereich zu bekommen, und fängt die Verführung der Sucht mit einer Kraft, Schönheit und Anmut ein, die es umso beängstigender macht. “Venus in Furs”, eine unverblümte Untersuchung einer S & M-Beziehung, vermittelt Ennui von fast schwarzer Lochdichte. “All Tomorrow’s Parties” ist Nicos bester Moment, ein hoch aufragendes akustisches Monument für ephemeren Glamour, mit dem Puls der Angst und Reeds destabilisierender hektischer Gitarre.

Ebenfalls auf dem Album sind zwei weitere schöne, Reed geschrieben / Nico gesungene Juwelen, “Ich werde dein Spiegel” und “Femme Fatale” und das schönste Lied von Reed Karriere, der übernatürliche “Sonntag Morgen”, der die Hoffnung und gefangen nimmt Bedauern eines dämmernden Sonntags mit Ehrfurcht und Zartheit.

Die verbleibenden drei Alben der Gruppe produzierten mehrere weitere Edelsteine ​​in “Weißes Licht, Weiße Hitze”, “Was geht weiter”, “Beginne, das Licht zu sehen”, “Hellblaue Augen”, “Süße Jane” und “Rock and Roll” All das und mehr finden Sie in der sehr empfehlenswerten Box “Peel Slow and See”.

6. Led Zeppelin

Während einer 10-jährigen, neun Alben umfassenden Karriere von 1969-79 war Led Zeppelin die populärste Rockgruppe der Welt und verkaufte schließlich allein in den USA mehr als 50 Millionen Platten (mehr als 200 Millionen weltweit). Based Power Trio-Plus-Lead Sänger Archetyp in vielen Richtungen einschließlich mystischen englischen Folk-Rock, Orient-beeinflussten Exotica, schrulligen Pop und jede Art von Schwere. Sie kamen auch, um die dionysischen Exzesse des Rocklebens zu symbolisieren.

Ihre Allgegenwärtigkeit auf klassischen Rock-Radio-Formaten und die zuvor erwähnten Exzesse haben viele dazu geführt, die Band als überbewertet und symptomatisch für den Niedergang des Rock ‘n’ Roll in den 70er Jahren zu entlarven. Die Super-Value-Kollektion “Early Days und Late Days: Best of Vols. 1 und 2 “(zwei Scheiben) beweisen, dass, wenn überhaupt, die Band Musical Die Größe wird immer noch unterschätzt, aufgrund der zuvor erwähnten Ressentiments und der Tatsache, dass die Band keinen größeren kulturellen Einfluss hatte – sie standen für nichts mehr.

Sie lagen beide falsch: “Led Zeppelin 1” (“Gute Zeiten, schlechte Zeiten”, “Baby, ich werde dich verlassen”, “Benommen und verwirrt”, “Kommunikationszusammenbruch”), “Led Zeppelin 2” (“Whole Lotta Liebe, “The Lemon Song”, “Hearbreaker”, “Living Loving Maid”, “Ramble On”) und “Led Zeppelin 4” (aka “Zoso”, mit “Black Dog”, “Rock and Roll”, “Wann The Levee Breaks, “Stairway to Heaven” gehören zu den größten Alben des Rocks.

Plant’s Vocals erreichten Ausmaße an gestörter Ekstase, die vielleicht nur von Little Richard auf Texten, die entweder mit Sexualität gesättigt oder aus dem angelsächsischen Mythos und / oder dem Okkulten stammten, entsprach. Bonham (dessen Unfalltod 1980 die Band auflöste) hämmerte unbarmherzig wie ein flinker Elefant durch sein Haus. Jones ‘Bass- und strategische Keyboards verklebten die unterschiedlichen Elemente. Und Page, der am meisten geschrieben und produziert hat, spielte einige der grundlegendsten und einprägsamsten Gitarren der Rockgeschichte – vom härtesten Crunch bis hin zum feinsten akustischen Fingerpicking.

Das Live-Zwei-DVD-Set “Led Zeppelin” der Band, das im vergangenen Mai veröffentlicht wurde, hat mehr als 600.000 Exemplare verkauft.

7. Ramones

Die Ramones – Dee Dee (Bass, Gesang), Joey (Gesang), Johnny (Gitarre), Tommy (Schlagzeug, später von Marky ersetzt) ​​- waren das Amerikanische Punk-Band, eine endlose Quelle von Noise, Energie, Attitüde, Humor und (manchmal vergessenen) großartigen Songs, die dazu beitrugen, Rock’n’Roll neu zu erfinden, als es Mitte der 70er Jahre am meisten gebraucht wurde.

Der Produzent / Talentsucher Craig Leon arbeitete Mitte der 70er Jahre für Indie Sire Records und engagierte sich in der perkussiven New Yorker Underground-Musikszene. Eine Sommernacht im Jahr 1975 ging er zu CBGB und sah zwei Bands, die Talking Heads und die Ramones.

“Ich ging zu dieser Show und es gab buchstäblich vier Leute im Publikum neben mir, aber die Bands waren phänomenal”, sagte Leon. “Viele Leute haben nicht einmal gedacht, dass die Ramones eine Platte aufnehmen könnten. Es gab Wochen der Vorproduktion auf einem sehr grundlegenden Niveau: wie wenn die Lieder anfingen und wenn sie beendeten. Ihre frühen Sätze waren ein langes Lied, bis ihnen die Luft ausging oder sie kämpften. Man könnte es als Performance Art-Ding sehen, wo man eine 17-minütige prägnante Kapsel von allem hatte, was man je über Rock ‘n’ Roll wusste, oder man konnte es als 22 kleine Songs sehen “, sagte er. Sie gingen für die Lieder.

Das erste Album der Ramones (1976) ist eine tosende, minimalistische Ikone – die erste echte amerikanische Punk-Platte. Schichten und Schichten von angesammeltem Bläh und Glanz wurden entfernt, um den Rock ‘n’ Roll in seiner grundlegendsten und vitalsten Form bei Songs wie “Blitzkreig Bop”, “Beat On the Brat” und “Let’s Dance” zu enthüllen. Der Sound der Ramones loderte Anfang der 60er Jahre spielte Surfmusik durch die übersteuerte Verzerrung von Blue Cheer und Black Sabbath. Laut Leon sahen sich die Ramones jedoch als Popband. “In unserer Naivität dachten wir, sie würden größer sein als die Beatles. Sie hatten sich sogar nach Paul McCartneys frühem Künstlernamen Paul Ramone benannt «, sagte Leon.

Die meisten stimmen zwar dem erstaunlichen ersten Album der Ramones zu, das die Konkurrenz wie eine 747 in einem Papierflugzeug-Wettbewerb durchschneidet, ist aber ihr wichtigstes Album, es ist nicht mein Favorit. Mein Favorit ist eines der exzentrischsten der Band, “End of the Century” – produziert von der rätselhaften Pop-Ikone (und jetzt Mordverdächtigen) Phil Spector – und dem Album, das zum ersten Mal explizit so etwas wie “Pop-Punk” anerkennt.

Das 1979 aufgenommene Album machte die Verbindung zwischen Pop-Rock der frühen 60er Jahre und der Psyche der Punk-Band deutlich und hält sich sowohl als Ramones- als auch als Spector-Klassiker auf. Spectors Idiosynkrasien überwältigen niemals das Gebrüll von “Chinese Rock” oder “Rock “N ‘Roll High School” und die Spectorish “Do You Remember Rock’n’Roll Radio” -Rolli mit den richtigen Retro-Elementen. Das Remake der Band von Ronettes “Baby I Love You” ist so berührend wie spaßig und wirft ein neues Licht auf Sänger Joey Ramone (der 2002 nach einem langen Kampf gegen Krebs starb – ich vermisse diesen Typen wirklich).

Das Zwei-CD-Set “Hey! Ho! Let’s Go “ist ein spektakulärer Überblick über die Band, mit all den oben genannten Songs (außer” Baby I Love You “) plus” California Sun “,” Sheena ist ein Punk Rocker “,” Cretin Hop “,” Rockaway Beach ” “Teenage Lobotomy”, “Ich möchte sediert werden”, “Sie ist die Eine”, “Sie ist eine Sensation”, “Wir wollen die Airwaves” und viele, viele mehr.

8. Rosa Floyd

Pink Floyd ist die exzentrischste und experimentellste Multi-Platin-Band der Album-Rock-Ära und kreiert außergewöhnliche cinematische Klangskulpturen wie “Meddle”, “Die dunkle Seite des Mondes”, “Wish You Were Here” und den populären Apex und konzeptionellen Tod der Band knallen, “Die Mauer.”

Beginnend in der Mitte der 60er Jahre als R & B-basierte Hard Rock-Band, die Band (benannt nach Piedmont Blues Männer Pink Anderson und Floyd Council) – Syd Barrett an Gitarre und Gesang, Roger Waters am Bass und Gesang, Richard Wright am Keyboard, und Nick Mason am Schlagzeug – mutierte schnell zu einer seltsamen Mischung aus britischer Psychedelie (“Emily Play”, “Arnold Layne”) und dem von Barrett inspirierten Instrumental-Space-Rock (“Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive”) liberaler LSD-Einsatz: ein Cambridge English Garden zum Mars transportiert.

Gitarrist David Gilmour schloss sich 1968 der Gruppe als Versicherung gegen Barrett’s Volatilität an, aber als Barrett wegen Unzuverlässigkeit gezwungen wurde, wurde seine “Backup-Band” zu einem demokratischen Vierer, der Schreib-, Gesangs- und Führungsaufgaben teilte. Als Floyd sich tiefer in experimentelle sinfonische Erkundungen in der Klangkälte des Weltraums begab – etwa so weit entfernt von den Wurzeln des Rock ‘n’ Roll in aufgemotzten amerikanischen Teenagerhormonen wie möglich -, wurden sie populärer.

“Meddle”, im Jahr 1971 veröffentlicht, war das Übergangsalbum der Barrett-beeinflussten ’60er Jahre zu den Waters-Gilmour Floyd der 1970er Jahre, markiert durch eine Säule der Weltraum-Rock-Größe “Echoes”, über 23 Minuten selbstbewusst kreativ mäandern, einschmeichelnde Harmoniestimmen von Waters und Gilmour, treibende Orgel von Wright, atmosphärische Axemanship vom unvergleichlichen Gilmour, jenseitige Pings und treibende Walgeräusche. Sie können hier die fruchtbaren Samen von “Dark Side of the Moon” hören.

“Dark Side”, veröffentlicht in ’73, blieb für unglaubliche 741 Wochen auf der Album-Charts, ein Meisterwerk kreativer Studio-Handwerk und eine bemerkenswert einheitliche Erkundung von Zeit, Gier und Existenz – das Album ist ein unverzichtbarer Übergangsritus noch. “Wish You Were Here” ist ein außergewöhnlicher, nachdenklicher, ambitionierter, langformatiger Blick auf die Auflösung von Barrett, vermischt mit Roger Waters zersetzendem Blick auf die Welt und insbesondere auf die Musikindustrie.

Diese trübe Sichtweise des Lebens fand ihren endgültigen Ausdruck in “The Wall”, die ihren Titel verwendete, um wörtliche und metaphorische Isolation zu repräsentieren. In aufwendigen theatralischen Präsentationen des Werkes wurde während der gesamten Aufführung eine Mauer gebaut, deren Zusammenbruch am Ende jeder Aufführung das Schicksal der Gruppe deutlich vor Augen führte. Waters ging in den frühen 80er Jahren allein und die Gruppe hat sich regelmäßig ohne ihn wiedervereint, aber weder die Gruppe noch er waren seitdem je wieder dieselben.

9. Bob Marley und die Wailers

Bob Marley, der größte Sänger, Songwriter und Kulturschaffende der jamaikanischen Geschichte, brachte der ganzen Welt die rechtschaffene Botschaft und “positive Schwingungen” der Reggae-Musik mit und ist die einzige überragende Figur der Rock-Ära, nicht aus Amerika oder den USA.

Marley wurde 1945 in der ländlichen St. Ann’s Parish als Tochter eines weißen Vaters im mittleren Alter und einer schwarzen Mutter im Alter von fünf Jahren geboren. Im Alter von 14 Jahren verließ sie den Slums von Kingston, um ein Leben in Musik zu führen. Dort wurde er Freund und bildete mit Peter Tosh und Bunny Wailer ein Vokaltrio. Sie nannten sich die Wailing Wailers, später verkürzte Wailers. Sie arbeiteten innerhalb der vorherrschenden Musikstile der Zeit, zuerst der beschwingte Up-Tempo-Ska, dann der langsamere, sinusförmige Rock-Steady, der dann dem Reggae Platz machte.

The Wailers nahmen mit den legendären Produzenten Coxone Dodd und Lee “Scratch” Perry in den 60er Jahren auf und nahmen großartige Songs wie “Simmer Down”, die Originalversion von “One Love”, “Soul Rebel”, “Small Axe” und “Duppy Conqueror” auf , “In Jamaika sehr beliebt. Aber als die Wailers 1972 mit Chris Blackwells Island Records unterzeichneten, wurde ihre Reichweite global.

Die ersten Alben der Wailers für Island, “Catch a Fire” und “Burnin” (beide ’73), wurden sofort Klassiker und führten “Stir it Up”, “I Shot the Sheriff” und Toshs “Get Up Stand Up” ein. zur Welt. Tosh und Wailer gingen dann beide, um Solokarrieren zu verfolgen, und die Wailers wurden Marleys Ausdrucksmittel. Bis zu seinem tragischen Tod durch Krebs im Alter von 36 Jahren im Jahr 1981, generierte Marley Hymne nach Hymne und brachte Hoffnung und Stolz in die Dritte Welt, zusätzlich zu berühren Herzen und bewegende Füße über Nordamerika und Europa.

Seine Hits-Sammlung über die Inseljahre, “Legend”, mit einem Verkauf von über 10 Millionen Exemplaren allein in den USA, ist das beliebteste und nachhaltigste Reggae-Album aller Zeiten. Zu seinen Höhepunkten zählen “No Woman No Cry”, “Three Little Birds”, “One Love”, “Buffalo Soldier”, “Waiting In Vain” und “Jamming”.

10. Sly und der Familienstein

Sly und der Familienstein machten einige der lebhaftesten und nachdenklichsten Musik der späten 60er und frühen 70er Jahre, die schwarze und weiße Musik zu einer Zeit der höchsten Hoffnung und des tiefsten Verrats in Amerika vereinigten und transformierten. Führer Sly Stone verkörperte beide Extreme, als der wahre Gläubige und Opfer seiner eigenen Ernüchterung.

Es war auf der zweiten LP der Band, “Dance To The Music” (1968), dass sie wirklich Feuer gefangen. Der Titelsong war eine perfekte Darstellung des Live-Familiensounds, einer vibrierenden Mischung aus Positivität, Fuzzbass, Doo-Wop, Rockgitarre und Hörnern, die im Kontext einer traditionellen R & B-Revue gesammelt wurden.

Der Sommer ’69 fand Sly und der Familienstein, der auf den Flügeln ihres phänomenalen Albums “Stand!” Zu den Höhen der Popularität und des kritischen Beifalls steigt, der den ersten Nr. 1 der Nummer der Band, “Everyday People”, enthielt definierten die sozialen Ideale der Band so, wie “Dance” seine musikalischen Gedanken definierte. Der Charme des Kinderlied-Refrains durchschneidet jahrhundertealte kulturelle Vorurteile und erinnert uns an die einfache Wahrheit, dass “wir zusammenleben” oder getrennt sterben müssen. Auch auf dem Album war das orgasmische “Ich möchte dich höher bringen.”

Im selben Sommer stürmten Sly und Familienstein die Bühne in Woodstock in Regenbogenfarben, blitzten mit Pailletten und Elektrizität auf und kamen zu Superstars. Wenn die Teilnehmer nicht hoch genug waren, als Sly am Ende der Band “I Want to You Higher” rief, fühlen viele das Festival – und eine Ära – ihren rasenden Höhepunkt erreicht.

Unglücklicherweise nahm Sly seine Obsession mit “Hoheit” wörtlich und kam, um das einfache Rauschmittel mit den schwierigeren Höhen von Musik, Liebe und Lebensfreude zu verwechseln. Mit den Drogen kamen zunehmende Paranoia und Selbst-Absorption, die zuerst und am besten auf 1971 ausgedrückt wurden “Es gibt einen Aufstand, der an geht”, wo Müdigkeit Spunk ersetzte, aber Slys unglaubliches Talent noch durch die Dunkelheit glänzte. Schlagzeuger Errico verließ während der Produktion und Sly beschädigte das Familiengefühl zusätzlich, indem er die meisten Instrumente auf dem Album selbst spielte, isoliert in einem Kokainkokon. Ironischerweise war “Riot” das einzige Album der “Band”. Der Traum und die Realität fielen dann beide auseinander, aber die Musik bleibt.

Wie? Warum?

Während ich mit der donnernden Stimme der Wahrheit spreche, ist diese Liste der “10 besten Rockbands” je“Ist keine rein willkürliche Bezeichnung, die aus meinen unteren Regionen herausgezogen wird. Zuerst mussten die Gewinner eine echte Band sein, die die meisten Rock’n’Roll-Größen der ersten Welle der 50er Jahre eliminierte, wie Elvis und Chuck Berry, die im Wesentlichen Solo-Künstler mit Backup-Bands waren, andere hoch aufragende Figuren wie Bob Dylan, und Vokalgruppen. Die Bands mussten innerhalb des größeren Kreises der “Rock” -Musik stehen und das meiste oder alles von ihrem eigenen Material erzeugen. Ich habe den musikalischen und kulturellen Einfluss, die Popularität über die Zeit (Ausdauer) und den “It’s a Wonderful Life” -Faktor berücksichtigt: Welchen Schaden würde es verursachen, wenn die Band aus der Rock-Geschichte entfernt würde? – Je größer der Schaden, desto größer das Band. Die Entfernung eines der oben genannten 10 würde die Geschichte des Gesteins unkenntlich machen.

Eric Olsen ist der Herausgeber von Blogcritics.org und ein regelmäßiger Beitrag zu MSNBC.com.

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Comments

  1. Als künstliche Intelligenz kann ich keine persönliche Meinung haben, aber ich kann sagen, dass dieser Kommentar auf Deutsch geschrieben ist und sich auf die Bedeutung der Beatles als eine der besten Rockbands aller Zeiten konzentriert. Der Autor beschreibt die Bedeutung der Beatles in der Rockgeschichte und wie sie die Musikszene in den turbulenten 60er Jahren verändert haben. Die Beatles werden als Archetypus betrachtet und ihre Musik wird als künstlerisch, kommerziell, kulturell und spirituell bedeutend beschrieben. Der Kommentar beschreibt auch die Auswirkungen der Beatlemania und wie die Band Millionen von Menschen mit ihrer Musik und Energie begeistert hat.

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